Der Abbildungsmaßstab in der Fotografie wird durch die Brennweite des Objektivs und die Entfernung des Objekts von der Kamera bestimmt. Wenn Du etwas mit einem Weitwinkelobjektiv fotografierst, wird es auf dem Foto größer erscheinen als wenn man das gleiche Objekt mit einem Teleobjektiv fotografiert, da das Weitwinkelobjektiv einen größeren Bildwinkel hat und daher mehr von dem Objekt einfängt. Die Entfernung des Sujets von der Kamera hat ebenfalls Einfluss auf den Abbildungsmaßstab, da Objekte, die weiter entfernt sind, auf dem Foto kleiner erscheinen als Objekte, die näher an der Kamera sind. Dies kannst Du bewusst einsetzen um mit der Perspektive zu spielen.

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Focus Stacking ist eine Technik, bei der mehrere Fotos desselben Motivs mit unterschiedlichen Fokuspunkten aufgenommen und dann in der Nachbearbeitung kombiniert werden, um ein einziges Bild mit größerer Schärfentiefe zu erstellen.

Wie funktioniert’s?

1. Stelle Deine Kamera auf ein Stativ und wähle den Bildausschnitt.
2. Stelle die Kamera auf manuellen Fokus.
3. Suche den ersten Fokuspunkt und mach das erste Foto.
4. Passe den Fokuspunkt leicht an und machen Sie ein weiteres Foto.
5. Wiederhole diesen Vorgang und nimm mehrere Fotos mit verschiedenen Fokuspunkten auf, bis die gesamte Szene scharf abgebildet wird.
6. Importieren Sie die Fotos in eine Focus-Stacking-Software, z. B. Adobe Photoshop oder Affinity Photo.

   Die Software analysiert die Fotos, richtet sie automatisch aus und fügt sie zu einem einzigen Bild mit größerer Schärfentiefe zusammen.

Wann funktioniert Fokus Stacking – und wann nicht?

Focus Stacking ist besonders nützlich für sehr detaillierte Makroaufnahmen mit einem Makroobjektiv, bei denen es aufgrund der geringen Schärfentiefe schwierig sein kann, das gesamte Motiv scharf abzubilden. Die geht bei manchen Kameras und Objektiven automatisiert, oder halt klassisch wie oben beschrieben. Auch bei Landschafts- und Architekturaufnahmen, bei denen Dusowohl den Vordergrund als auch den Hintergrund scharf abbilden möchtest, kann das Stacking nützlich sein.

Focus Stacking ist eine nützliche Technik für sich nicht bewegende Motive, mit der Du Fotos mit größerer Schärfentiefend als physikalisch eigentlich möglich erstellen kannst. Ähnlich dem Brenzier-Effekt.

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Kreative Fotos Silvesterfeiern

Halte die Aufregung und Energie der Silvesterfeiern fest, egal ob Du auf einer Party bist, das Feuerwerk aus der Ferne beobachten oder das neue Jahr ruhig und entspannt zu Hause einläutest. Langzeitbelichtungen, Wunderkerzen, Stillleben, Farben und Lichten, oder Menschen und Stimmungen. Die Möglichkeiten sind schier unendlich. Ich erinnere mich immer gerne an die Serie von Martin, der vor einige Jahren nach Silvester durch die Straßen gezogen ist und die Reste der Feiern dokumentiert hat.

Fotos von Vorsätzen für das neue Jahr

Machen Sie Fotos von Menschen, die ihre Neujahrsvorsätze aufschreiben oder sich Ziele für das kommende Jahr setzen. Begleite Dich oder einen anderen Menschen dabei, wie er die Vorsätze umsetzt (hilft auch dabei sich zu motivieren) im Fitnessstudio zu trainieren oder bei den Zielen für das neue Jahr im Bereich Arbeit, Familie, Freunde. Dokumentiere den ersten Monat des Jahres und die Veränderungen, die er mit sich bringt, z. B. neues Wetter, neue Routinen und neue Erfahrungen.

Malerische Fotos von Winterlandschaften

Machen Dich auf den Weg in die Natur und halte die wunderschöne Winterlandschaften fest – oder das Sauwetter. Schneebedeckte Bäume, zugefrorene Seen und frostige Felder sind wunderschöne Winterfotos und ein toller Start für ein Vier-Jahreszeiten Projekt.

Actiongeladene Aufnahmen vom Wintersport

Gute Vorsätze? Pah! Schnapp Dir die Kamera und schaue anderen dabei zu – und halte dies mit der Kamera fest. Mache Action-Aufnahmen von Menschen, die Wintersportarten wie Skifahren, Schlittschuhlaufen und Snowboarden betreiben. Alternativ Mountainbiken, Skaten oder was auch immer ohne Schnee an actiongeladenen Sportarten bei Dir gemacht werden.

Fotos der Wildtiere im Winter

Die Tierwelt des Winters ist gar nicht schwer einzufangen, denn häufig gibt es Stellen, an denen Futter ausgestreut wird. Hier hast Du die Chance tolle Fotos von Wildtieren zu machen. Egal ob im Wildgehege oder im eigenen Garten, z. B. Vögel und Kleintiere. Suche Dir die richtige Stelle mit einem tollen Hintergrund und schnapp Dir Deine Kamera mit dem längsten Teleobjektiv was in Deiner Sammlung ist.

Wintermode und Winter Portraitfotografie

Machen Sie kreative Modefotos mit winterlichen Outfits und Accessoires wie Mützen, Schals und Handschuhen. Werde kreativ – gerade wenn der Winter eigentlich kein Winter ist, sondern zu warm, matschig oder schhon fast Frühling.

Fotos vom winterlichen Esse. Ideen für Stillleben

Fotos von Essen gehen immer – und sind ein toller Übungsplatz für Stilllebenfotografie und Experimente mit Licht. Mache kreative Food-Fotos mit winterlichen Zutaten, z. B. Wurzelgemüse, herzhafte Eintöpfe und warme Getränke.

Reportage: Neujahrstraditionen

Reportagen machen viel Spaß und sind ein toller Weg um regelmäßiger zu Fotografieren. Nicht jeder hat Lust fremde Menschen zu fotografieren, warum also nicht die eigene Familie? Haltet Eure Neujahrstraditionen der Familie fest, wie z. B. das Fassen von Vorsätzen, das Essen besonderer Speisen,….

Kitsch pur: Fotos von winterlichen Sonnenuntergängen

Die Sonne geht früh unter – schon gegen 16:00 Uhr an den kurzen Tagen. Das ist super für Nachtofotografie und Langzeitbelichtungen. Aber auch kitischige, ähhhm…. wunderschöne Wintersonnenuntergänge und wilde Wolkenhimmel (mit Sonne) machen es an den kürzeren Tagen leicht, dramatische und stimmungsvolle Aufnahmen zu machen.

Weitere Fotoideen findest Du hier:

• Fotoideen für den Frühling
• Tipps für Herbstfotos
• Urlaubsfotografie Ideen

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Naturfotos im Frühling

An Kirschblüten mit der Kamera riechen: Im Frühling ist die Schönheit der Kirschblüten allgegenwärtig. Es gibt Alleen, einzelne Bäume oder eine Reise nach Japan. In einem Wald bei uns um die Ecke ist jeder zweite Baum ein Kirschbaum. Die Blüten sind hier aber nicht so präsent, wie wenn Du Dir einen Baum mit viel Licht suchst, der jeden Tag von der Sonne betankt wird.

Frühlingsblumen dokumentieren: Nahaufnahmen von Frühlingsblumen bieten leuchtende Farben und alles was den Frühling ausmacht. Als Strauß, als Blume auf der Wiese oder als Stillleben wenn sie verwelken. Deinen Ideen sind keine Grenzen gesetzt.

Den Frühlingsregen genießen: Regenwetter ist toll. Alles glänzt, die Pfützen machen tollen Spiegelungen und die Natur ist in einen besonderen Glan getaucht. Dazu gibt es überall kitschige Motive wie das Springen durch Pfützen, Menschen mit Schirmen, Spiegelungen…

Frühlingslandschaften: Mache dich auf den Weg in die Natur und fange die Schönheit der Frühlingslandschaften ein. Blumenfelder, Knopsen, erste Blüten, sanfte Hügel und bunte Bäume. Der Vorteil des Frühlings ist, dass die Bäume noch nicht so eng von Ihren Blättern bewachsen sind, dass die einzelnen Elemente der Landschaft mehr atmen können. Im Sommer werden diese oft zu einer grünen Masse, in der die einzelnen Elemente untergehen.

Tiere im Frühling fotografieren Gehe ganz nah an die Tiere des Frühlings heran, z. B. an neugeborene Lämmer, Küken und Hasen, und fange niedliche und verspielte Aufnahmen ein. Oder mache das Gegenteil und drehe die Kontraste hoch wie in der Streetfotografie oder in diesem Beispielbild ehe das Fell geschoren wird.

Mit Frühlingsmode verkleiden: Modefotos in frühlingshaften Outfits können Spaß machen. Mir nicht, aber manche Fotografen stehen auf Pastellfarben, Blumendrucke oder ähnlichen. Für mich ist es eher eine Idee die Modelle in der Natur zu verstecken.

Frühlingsgerichte: Mach kreative Fotos von Deinem Essen aus Frühlingszutaten. Es bieten sich Spargel, Beeren oder Rhabarber an. Oder aber Frühlingsdeko, Osterschmaus und was auch immer Dir vor die Linse kommt.

Action im Frühling: Nicht nur die Natur, sondern auch die Menschen erwachen. Dokumentiere frühlingshafte Aktivitäten wie Gartenarbeit, Wanderungen oder Picknicks. Reportagen, oder einfach Schnappschüsse von Menschen, die die Jahreszeit genießen, sind ein guter Weg um einen Einstieg in die spontane Fotografie zu finden.

Frühlings-Sonnenuntergänge: Halte wunderschöne Frühlings-Sonnenuntergänge fest, die Sonne geht noch nicht so spät unter wie im Sommer, aber es ist nicht mehr so kalt wie im Herbst und Winter. Mit den passenden Wolken und dem Frühlingsregen ist es leicht dramatische und stimmungsvolle Aufnahmen zu machen.

Hier findest Du unsere Ideen für Weihnachtsfotos, Herbstfotografie und Urlaubsfotografie.

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Stürzende Linien Ursachen

Die Bildwirkung ensteht dadurch, dass Du mit der Kamera nah vor einem Objekt stehst und nach oben oder unten zielst. Hierbei verschieben sich die Punkte, die in der Ferne liegen. Im Kunstunterricht hast Du diesen Effekt beim perspektivischen Zeichnen kennengelernt, wie zum Beispiel bei der Fluchtpunktperspektive, je extremer die Perspektive + die Weite der Brennweite (durch den Abbildungswinkel), umso extremer der Effekt. Bei der Fotografie entsteht dieser Effekt auch bei normalen Bildern, wie z.B. Wegen, da wir hier aber diese Art der Linienführung gewöhnt sind, ist es für uns nicht ungewöhnlich das ein Weg oder eine Strasse im Hintergrund zusammenläuft. Der Effekt entsteht auch, wenn Du in einen Zerrspiegel schaust, wie er im Straßenverkehr vorkommt.

Stürzende Linien in der Fotografie vermeiden

Stürzende Linien in der Architekturfotografie sind entweder gewollt, oder von Architekten gehasst. Wenn Du eine möglichst realistische Abbildung erreichen möchtest, hast Du stürzenden Linien den Kampf angesagt. Hier sind 8 Tipps mit denen Du stürzende Linien als Gestaltungsmittel vermeiden kannst:

1. Nicht von unten nach oben fotografieren
2. Nicht von oben nach unten fotografieren
3. Nicht im Weitwinkel fotografieren
4. Wenn doch im Weitwinkel, dann das Hauptmotiv mit Abstand in die Bildmitte
5. Ein Teleobjektiv nehmen um den Abbildungswinkel zu reduzieren, je größer dieser ist umso höher, die Wahrscheinlichkeit, dass die Linien stürzen
6. Das Motiv mit Zoom von weit weg fotografieren
7. Ein Tilt-Shift-Objektiv verwenden um die stürzenden Linien auszugleichen
8. Die Verzerrung mit einem digitalen Bildbearbeitungsprogramm nachbearbeiten – Stürzende Linien korrigieren ist im gewissen Rahmen möglich, in der Regel mindestens ein Verlust des Ausschnitts

Stuerzende Linien als Gestaltungsmittel in der Architekturfotografie

Stürzende Linien als Gestaltungsmittel

Stürzende Linien als Gestaltungsmittel sind ziemlich sexy. Gefalle nicht allen, sondern finde werden von wenigen geliebt. So oder so ähnlich ist das auch mit stürzenden Linien. Viele Menschen mögen sie überhaupt nicht. Dabei kannst Du mit Ihnen Architekturfotos machen, die sehr unrealistisch aussehen und den Blick des Betrachters lenken. Aber, dies funktioniert am besten, wenn Du sehr nah, an dem Objekt stehst, oder eine sehr extreme Perspektive wählst. Spiele mit der Wahrnehmung machen auch viel Spaß, zum Beispiel erzwungene Perspektiven kommen mit diesem Effekt gut zur Geltung. In ein Architekturmagazin oder das Portfolio eines Architekten kommst Du damit aber eher weniger.

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Herbst Fotografie Tipps

Die Farben machen den Herbst erst zum Herbst. Dazu ein leichter Vanitas-Gedanke rund um den Verfall. Die Blätter fallen von den Bäumen. Wind und Regen geben sich die Hand und wenn die Sonne durch Wolken bricht, verschwimtt das große Ganze zu einem stimmungsvollen Farbenspiel.
Deshalb, achte bei deinen herbstlichen Fotos darauf wie das Licht mit den Farben spielt und meistere den manuellen Modus deiner Kamera. Deine Kamera wird oft scheitern einen perfekten Moment einzufangen, sei es durch Gegenlicht, die falsche Belichtungsmessung oder herausfordernden Lichtsituationen. Dann liegt es an Dir die richtigen Entscheidungen zu treffen.
Experimentiere mit Deinen Belichtungszeiten und schaue ob Dir eine Über- oder Unterbelichtung besser gefällt, also intensivere oder sanftere Farben. Die Kamera sucht bei Deinen Bildern im Herbst ein neutrales Grau, die Mischung aus Schwarz und Weiß, für die ideale Belichtung. Die graue Null im Belichtungsmesser, also das neutrale Grau, welches Deine Kamera gerne abbilden möchte, wird den Herbstfarben nicht gerecht.

Die Betonung von einzelnen Elementen, die gerade wunderbar angeleuchtet werden, unterstreichst Du am besten mit ungefähr 1-2 Blendenstufen weniger Licht, damit der Hintergrund genau dahin rückt wo er hingehört und nicht vom Hauptmotiv ablenkt. Um die perfekten Farben von Blättern im Gegenlicht einzufangen, solltest Du ausprobieren welche Belichtung Dir für Herbstmotive am besten gefällt. Eine leichte Unterbelichtung (0,5-1 Blendenstufe) verstärkt hier in der Regel die Farben, eine leichte Überbelichtung gibt dem Bild etwas leichtes und strahlendes. Probiere es einfach aus und vielleicht hast Du schon bald ein schönes Profilbild für den Herbst, oder zumindest ein paar schöne Bilder vom Herbst.

Foto Ideen für den Herbst

Hier ein paar Ideen mit denen Du während dem Herbst wunderbar spielen kannst um tolle Herbstbilder zu machen. Die ersten Kastanien sind gefallen, die Blätter verfärben sich und der Herbstanfang war am 22.09.

• Wiederholende Muster – im Herbst liegen sind sie überall: Blätter, Äste, Farben,… entwickele ein Auge für die Details.
• Herbstlicht – Herbstlicht ist mit das schönste Licht, denn die Sonne steht tief, und die Blätter sorgen für den goldenen Herbst.
• Herbstfarben – Rot, Braun, Gelb. Der Sommer ist mit seinem Grün gar langweilig gegen den Herbst und so entstehen bei diesem Wetter die schönsten Portraits mit buntem Hintergrund und klasse Bokeh.
• Wildblumen, Erntezeit und Kürbisse – im Herbst werden die meisten Gemüsesorten geerntet, es ist Halloween und wir füllen unsere Speisekammern. Die ideale Zeit um Dich mit den Produkten der Natur fotografisch zu beschäftigen.
• Lange Schatten – die Schatten sind nicht kurz, sondern lang und eigenen sich besonders gut um sie auf Fotos zu bannen, zu spielen und Spaß zu haben.
• Kälte – es ist kalt, aber noch nicht so kalt das es unangenehm ist. Die Kälte ist ein schönes Element für Fotos, die gerade bei Portraits spannend ist.
• Kastanienmännchen – spiel wie ein Kind und fang an zu bauen! Los, Streichhölzer, Kastanien und ab dafür.
• Voll auf die Nüsse – Kastanien, Bucheckern, Haselnüsse, Blätter, alles fällt hinunter und eignet sich bestens um mit Stilleben zu experimentieren. Egal ob draufsicht oder arrangiert.
• Ende – der Herbst ist das metaphorische Ende, das Alter, der Herbst des Lebens. Düstere Motive finden hier den Anfang und das Spiel mit der Vergänglichkeit nimmt seinen Lauf.
• Unfallgefahr – gerade der Herbst hat es in sich. Nasses Laub, Rutschgefahr, Sicherheit, erster Frost, zu spät kommen, es gibt viele Themen die Du hier fotografisch umsetzen kannst.
• Fliegende Blätter – das klassischste Herbstmotiv der Herbstmotive. Fliegende Blätter, denn im Sonnenschein gibt es nicht viele Dinge die im Herbst schöner zu beobachten sind.
• Blätterhaufen – lege Deine Modele oder Motive in einen Haufen Blätter und verstecke sie. Die Blätter werden zu einem Rahmen für Dein Motiv und geben dadurch eine natürliche Ordnung.
• Lass Dir vom Herbstwetter keinen Strich durch die Rechnung machen – pass auf Deine Kamera auf, besorg Dir eine Regenhaube, fotografiere bei starkem Wind nicht mit Regenschirmen und lass Dir keine Kastanien auf den Kopf regnen.

Fotokurse sind jetzt seit einigen Jahren Teil meines Broterwerbs und es macht immer wieder Spaß mit begeisterten Menschen die Möglichkeiten der eigenen Visionen zu entdecken und diese mit einer bis dato unbekannten Technik realisieren zu können. Wenn Du Lust hast Deine Kamera im kleinen Kreis besser kennen zu lernen, freue ich mich darauf Dich in einem meiner Kurse begrüßen zu dürfen. (fototutor sind die Kurse in Paderborn)

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Wie wirst Du Künstler oder Künstlerin?

Ist das Kunst? Magritte in der Streetart, Kunst oder Schmiererei?

Künstler kannst Du Dich jederzeit nennen, die Bezeichnung ist so frei wie die des Fotografen, aber ob Du (gute) Kunst machst oder als Künstler wahrgenommen wirst, kannst Du nicht selbst bestimmen. Vielleicht sind Deine Werke nett, schön, handwerklich gut, langweilig, plakativ, platt, kitischig oder auch gut. Den ersten Zugang erhältst Du in der Regel durch eine Mappe an einer Kunsthochschule, das wäre der klassische Weg (für viele leider auch direkt in HarzIV).
Handwerklich perfekt ist nicht unbedingt Kunst. Schön ist nicht unbedingt Kunst. Kunsthandwerk ist definitiv nicht Kunst, sondern Handwerk.
Bildende Kunst ist elitär. Das teuerste Foto der Welt kann sich auch fast niemand im Original leisten. Streetart ist auf andere Art elitär. Es gibt auch die angewandte Kunst, diese hat einen praktischen Nutzen, sei es Design, Kunsthandwerk, Architektur oder Mode.

Was ist gute Kunst?

Für Künstler gibt es, wenn sie „echte“ Kunst machen, eigentlich nur 4 Regeln:

1. Der Motor der Kunst ist die Innovation.
2. Mach Deine Kunst gut.
3. Kannst Du es nicht gut machen, mach es groß.
4. Kannst Du es nicht groß machen, mach es rot.

-wiederholen-

Schön, dass dies nicht nur von einem Dozenten, der inzwischen Professor für Kunst ist, in meinem Kunststudium erzählt wurde, sondern Punkt 3 anscheinend auch für Fotografen gilt. So zumindest sagte Marc Hauser 2014: “If you can’t do it right, do it big.” und der muss es wissen, schließlich hat er schon für das Rolling Stones Magazine, Pepsi oder den Playboy fotografiert.

Künstlerisches Auge entwickeln

Künstler oder Handwerker? Gehen wir mal einen Moment davon aus, dass nur wenige Fotografen sich lieber mit der Technik beschäftigen und mit Objektivwerten und Belichtungszeiten eine Ehe eingehen, sondern auch gerne Kunst produzieren möchten. “Perfektion ist langweilig”.
“Perfekte” Aufnahmen, retouchieren bis auch jedes Gesicht faltenfrei und gleich gemacht worden ist, sind für den Löwenanteil der Werbung sinnvolle Strategien. Kunst ist ein Kanal um Fragen zu stellen, nicht um oberflächliche Bedürfnisse zu befriedigen. Fragen an den Betrachter, das Hinterfragen von Gegebenheiten oder auch nur die Frage: WARUM? Oder vielleicht auch um sich dem ganzen Prozess der Verwertbarkeit zu entziehen, um umso interessanter zu werden. Unsere Gesellschaft ist eine Gesellschaft der Massenindividualität. Warum sonst verkaufen wir unsere Privatsphäre an soziale Netzwerke. Warum geben wir unsere Daten in Facebook ein & benutzen einen Service wie GoWalla oder Foursquare und rauben uns jede Überraschung auf einer Reise? Transparenz? Sicherheit?

Künstler stellen Fragen. Fragen an sich selbst, an die Betrachter und Besucher, an Sammler, die Gesellschaft, praktisch an alle, die mit einem Kunstwerk in Berührung kommen. Ohne Künstler keine Kunst. Egal ob man den minmalistischen Ansatz verfolgt und alles reduzieren möchte, oder ob man alles übertreibt, es muss einfach von INNEN kommen.

Was ist schlechte Kunst?

Was ist Dein Weg in der Kunst?

Stell Dir den Künstler als Trichter vor, dieser sammelt (Erfahrungen, Ideen, Konzepte, etc.), dechiffriert diese Dinge in seinem Kopf (vllt. auch Herz), setzt sie künstlerisch um und stellt sie zur Diskussion in den öffentlichen Raum. Stereotypen, Gefälligkeit und Nachahmung haben deshalb so einen geringen Wert: egal ob Fantasy, Goth Chick, Stockfotos, oder andere Stereotype “Kunstwerke”. Die meisten Fotos sind entweder Handwerk oder Reproduktionen von Bildern und Ideen, die wenige relevante Fragen stellen und bei dem Betrachter wenige Fragen auslösen, da sie nicht hinterfragen sondern zuviele ungefragte Antworten geben.
Beispiel: Ein Fantasy Bild mit einem Krieger und ein paar Schlangen, einer halbnackten Frau auf einem Haufen toter Gegner reckt sein Schwert in den Himmel. Du kannst es Dir jetzt schon leicht vorstellen. Alles lässt sich schnell erschließen und verliert schnell an Spannung, außer Du findest eine sehr eigene Herangehensweise.

Was ist also Schönheit, die sowieso im Auge des Betrachters liegt, wirklich wert? Nicht viel. Oscar Wilde sagte schon vor über 100 Jahren sehr treffend:

The moment you think you understand a great work of art, it’s dead for you.

Wiederverwertbarkeit. In einer Aufmerksamkeitsökonomie, also in einer Gesellschaft mit wenig Zeit und zu viele Informationen, sind für viele Künstler kurze Wege zu mehr Likes & Shares ein Zeichen von Erfolg, oft aber nur ein Lob an ein sexy Model oder eine herausragende Landschaft. Sich mit Lob zufriedengeben verleitet uns das Risiko nicht mehr zu wagen. Neue Wege müssen erst entdeckt und nachvollzogen werden. Vielleicht verstehen die Betrachter die Inhalte auch erst mit viel Arbeit, oder gar nicht. Geschichten die mit dem Holzhammer erzählt werden oder eine plakativ einfach zu entschlüsselnde Bildsprache machen das Erlebnis Kunst, sei es im Film, Ton oder Bild, zu einem passiven Konsum, der nur wenig Aufmerksamkeit erfordert und kaum nachhaltigen Wert hat.

Für Seth Godin geht es bei seiner Definition von Kunst nicht um das Kunstwerk, sondern um den Künstler, der den Mut hat Widerstände zu überwinden und etwas zu erstellen, was [abstrakten] Wert hat. Ein legitimer Ansatz, bis auf den Betrachter, der außen vorgelassen wird. Ohne Betrachter und sprechen über Kunst, ist Kunst keine Kunst, sondern ein Bild. Ein Foto. Eine Zeichnung. Das Zauberwort heißt hier in Fachkreisen Diskurs, sollte aber in Zeiten des Internets weit weniger Elitär betrachtet werden, da es seit der Streetart nicht mehr nur um Geld geht und Aufmerksamtkeit einen (fast) ebenso hohen Wert hat.

Welche Fragen stellst Du mit Deinen Bildern? Welche Fragen stellen Deine Betrachter? Was ist Dein Anspruch an Dich selbst?

Fazit:
Halte Dich nicht zu lange damit daüber nachzudenken was Kunst ist auf: Mach lieber Etwas und schaffe neue Werke, anstatt darüber zu diskutieren was andere machen oder was Du machst. Kunst ist Kunst und ist am Ende des Tages frei, also steht es auch Dir frei Kunst zu machen. Schau Dir viel an, lerne woher die Ideen kommen, warum es Kunst gibt und werd aktiv.

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Brokkoli Tree

Die Geschichte des Brokkoli Tree in Schweden ist eine traurige Geschichte. Ein Mann geht an einem Baum vorbei. Macht ein Foto. Macht den Baum zu seinem Projekt. Macht Bilder, viele Bilder, veröffentlich diese, macht einen Kalender und beobachtet die gesamte Bandbreite der Emotionen. Die Begeisterung für den Baum. Menschen reisen zum ihm, betrachten ihn, füllen die Landschaft. Es endet damit, dass ein Vandale den Baum ansägt – und ein angesägter Baum kann nicht repariert werden. Das was war wird nicht mehr sein. Jeden Tag werden tausende Bäume gefällt. Ist das schlimm? Gehört es zum Leben? Sind wir nur traurig weil der Baum „Fame“ hatte? Die Geschichte stimmt auf jeden Fall traurig weil ein Werk der inspiration verschwunden ist. Aber schaut Euch selbst das Video an.

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Gute Portraits fotografieren/h2>

10. Blick lenken

DU erschaffst Bildwelten, also ist es Dein verdammter Job das Bild zu gestalten und den Blick des Betrachters zu lenken. Wie lenkst Du den Blick? Das kommt ganz auf Dein Motiv an:

• Unschärfe hilft. Also gehst Du nah ran und reißt die Blende auf.
• Rahmen helfen. Also achte auf den Hintergrund und das die Linen nicht aus deinem Modell wachsen, sondern das Dein Model in einem Rahmen steht, ideal sind Fensterrahmen, Türen, etc.
• Licht hilft. Lerne es zu lesen. Lerne es zu formen. Finde den richtigen Ort zur richtigen Zeit und stelle Dein Model an den richtigen Platz.
• Zu wissen was Du zeigen willst hilft. Reduktion! Frage Dich bei jedem Element auf Deinem Foto: muss das hier hin? Brauche ich das wirklich? Kann ich das rausstreichen?

09. Selektive Schärfe

Was soll gesehen werden, was nicht. Du selektierst die Schärfepunkte in Deinem Bild – und wenn Du mit Blende 12 draufhältst, dann hast Du bewusst alles scharf und arbeitest mit anderen Mitteln. Das kann, gerade in der Streetfotografie oder Abseits von gefälligen Bildlooks, sehr charmant sein. Ansonsten überlege Dir wo Du das Bild scharf haben willst, warum Du genau dort scharf stellst und nicht woanders. Bei einem Portrait sind das in der Regel die Augen. Nase oder Ohren fühlen sich meist verdammt falsch an, wenn Du das Foto dann siehst. Aber, es müssen nicht nur die Gesichter sein, auf die Du den Fokus lenkst, der Körper hat noch viele andere interessante Teile, die Du in den Mittelpunkt Deiner Bildidee stellen kannst.

08. Detaillierte Portraits

Zu einem Portrait gehört mehr als das Gesicht. Finde die interessanten Details. Das ist Dein verdammter Job – also mach ihn! Beschäftige Dich mit Deinem Modell. Entwickele den Blick für das Besondere. Hab Spaß. Entdecke die Details die noch niemand vorher gesehen hat. Finde das perfekte Licht, das diese Details betont.

07. Fokus in Portraits? Auf die Augen!

Wenn Du Fotos von Gesichtern machst setze den Fokus auf die Augen. Das ist einen einzelnen Punkt wert, auch wenn es schon bei Punkt 09 erwähnt wurde! Nicht auf die Ohren, nicht auf die Nase, nicht auf den Hinterkopf! Triff die Augen oder wirf das Bild weg. So einfach ist das.

06. Smalltalk mit Modellen

Bei der Fotografie geht es um Emotionen. Authentisches Leben. Es gibt genug seelenlose Stockfotos, die gehasst werden. Google einfach mal nach Stockphotos from Hell. Du brauchst dazu keine neuen Fotos beisteuern, wenn Du nicht willst. Mach lieber etwas, an das sich die Menschen erinnern. Und um Emotionen zu wecken kannst Du mit den Menschen sprechen. Geschichten erzählen. Wissen wie Du Emotionen weckst – und wann Du was sagst. Rumdödeln, Quatschen, Palavern, alles erlaubt – solange es Ergebnisse bringt.

05. Licht für Portraits lesen

Versteh Deine Kamera. Versteh das Licht. Unschärfe ist keine Bildaussage. Mit Licht erzeugst Du Stimmungen. Also lerne Licht zu lesen und einzusetzen. Es wird Deine Fotos vielleicht verbessern. Ein guter Ansatzpunkt ist Rembrandt. Ein anderer jeder X-beliebige Hollywood Film. Gerade die düsteren spielen stark mit Licht. Schau Dir ein paar Filme an und lass Dich inspirieren.

04. Silhouetten in der Portraitfotografie

Wenn nichts geht, such Dir Gegenlicht und arbeite mit dem guten alten Scherenschnitt. Sieht toll aus. Macht Spaß und die Ergebnisse sind eine angenehme Abwechslung.

03. Geheimer Portraitfoto Tipp – Don’t Smile

Deine Modelle müssen nicht lächeln. Das ist für Oma-Fotos von Enkeln. Niemand muss auf Fotos lächeln. Niemand muss ernst gucken. Es ist Dein Job herauszufinden wie Du die beste Seite aus Deinem Modell herauskitzelst.

02. Fotorezepte beherrschen

Fotosessions werden leichter, wenn Du eine Ahnung von dem hast, was Du tust. Rezepte helfen Dir in kurzer Zeit vorhersehbare Ergebnisse zu erzielen. Ein Rezepit ist eine Technik, die Du gemeistert hast. Fensterlicht. Weißer Hintergrund. Strobist. etc.

01. Improvisieren in der Portraitfotografie

Nutze was Du hast. Setze Dir Grenzen, mit denen Du arbeitest. Hab Spaß und geh mit dem Flow. Jede Shotlist, jedes geplante Event wird Dir durch Murphy’s Gesetz aus den Fugen gerissen. Lerne damit zu leben. Mache das Beste aus dem was Du hast und heul nicht rum. Finde raus was Du willst – und was Du nicht willst. Mach gute Fotos. Kreativität ist eine Flamme die in Dir brennt. Ob das nun ein Streichholz, Teelicht, Lagerfeuer oder Waldbrand bist liegt an Dir, Deinem Talent und Deinem Biss.

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Hell-Dunkel-Kontrast

Der Hell-Dunkel-Kontrast kommt sowohl bei den häufig als unbunt bezeichneten Farben Schwarz, Weiß und Grau als auch bei den Buntfarben vor. Man bezeichnet damit den Kontrast, der durch die unterschiedliche Farbhelligkeit zweier Farben entsteht. Wie Du in diesem Foto siehst, leuchtet der hier portraitierte Kämpfer Nicolas Renier förmlich vor dem schwarzen Hintergrund.

Kalt-Warm-Kontrast

Der Kalt-Warm-Kontrast bezeichnet die unterschiedliche Empfindung von Menschen beim Anblick von Farben und die Verwendung dieses Kontrastes als Stilmittel. Auf dem Beispielfoto siehst Du, dass die blaue Farbe des unscharfen Weges Dich ein bisschen frösteln lässt, sich das Foto aber im oberen Teil direkt wieder aufwärmt. Da die blaue Farbe aber das Bild dominiert, hat es insgesamt ein etwas kälteres Gefühl.

Farbe an sich Kontrast

Der Farbe-an-sich-Kontrast wird auch Farbton-Kontrast genannt, da hier die Farbe in dem Ton Ihrer stärksten Leuchtkraft verwendet werden. Dieser Kontrast wird zum Beispiel für Warnschilder verwendet, oder um die Aufmerksamkeit besonders stark zu lenken. Unterschiedliche Farben haben eine unterschiedliche Leuchtkraft. Die intensivsten Farbe-an-sich-Kontraste werden mit ungetrübten Farben wie Primärfarben, Sekundärfarben oder Spektralfarben erreicht. Werden die Farben gebrochen, also Tertiärfarben verwendet, nimmt die Kontrastwirkung ab.

Qualitätskontrast

Der Qualitätskontrast, auch Intensitätskontrast genannt, ist ein Kontrast, der zwischen gesättigten, leuchtenden Farben und stumpfen, trüben und gebrochenen Farben entsteht, also durch Unterschiede in der Farbqualität, nicht durch Unterschiede bezüglich der Flächenanteile, wie der Quantitätskontrast. In der Perspektive entspricht er der Luftperspektive.

Quantitätskontrast

Der Quantitätskontrast, auch Mengenkontrast genannt, beruht, im Unterschied zum Qualitätskontrast, auf der Gegenüberstellung verschieden großer Farbflächen. Wenn diese in bestimmten Verhältnissen vorliegen, ist die optische Wirkung der Farben gleich intensiv und wird daher als harmonisch empfunden. Dabei ist die Wirkungskraft einer Farbe erstens von ihrer Leuchtkraft und zweitens ihrer Fleckengröße abhängig. Beispielsweise entspricht ein Teil Orange zwei Teilen Blau und ein Teil Gelb etwa 3 Teilen Violett. Rot und Grün entsprechen sich in gleichen Anteilen. Diese harmonischen Quantitäten ergeben statisch ruhige Wirkungen. Somit wird der Quantitätskontrast durch die Verwendung der harmonischen Farbmengen neutralisiert. Der Quantitätskontrast ist im eigentlichen Sinn ein Proportionskontrast.

Komplementärkontrast

Komplementärkontrast Beispiel – Foto Johannes Plenio

Der Komplementärkontrast ist der subjektive Kontrast, der zwischen zwei komplementären Farben entsteht. Komplementäre Lichtfarben löschen sich gegenseitig aus, wenn sie gemischt werden. Sie ergeben in ihrer Mischung ein neutrales Grauschwarz. Ein bekanntes Beispiel sind rote Haare vor grünem Hintergrund.

Komplementäre Farbpaare sind:

• Gelb und Violett
• Blau und Orange
• Rot und Grün

Simultankontrast/Sukzessivkontrast

Simultankontrast ist eine von bestimmten primären Pigmentpaaren gleichzeitig (simultan) ausgelöste Kontraststeigerung der empfundenen Farbintensität. Kurz und verständlich: Ein und dieselbe Farbe wirkt unterschiedlich, z.B. vor einem dunklen Hintergrund heller und vor einem hellen Hintergrund dunkler, auch verändert sich die Farbintensität und eine Farbe wirkt farbiger oder unbunter. Länger, wo und warum das so ist:
Die Farbwirkung nebeneinandergesetzter ungemischter Pigmente ist also stärker als die Farbe der einzeln dargebotenen oder gar gemischten Pigmente. Physikalisch identische Reizursachen können in Abhängigkeit vom Kontext unterschiedliche Wahrnehmungen auslösen. Sukzessivkontraste (auch Nacheffekte oder Nachbilder) bei der Farbwahrnehmung entstehen durch die Anpassung des Auges gegenüber bestimmten Lichtreizen der Netzhautrezeptoren. Dabei verbrauchen sich die Pigmente für eine der drei Grundfarben, der das Auge für längere Zeit ausgesetzt ist, so dass die neuronale Reaktion immer schwächer wird. Durch diesen Umstand befindet sich das entsprechende Komplementärfarbensystem nicht mehr im Gleichgewicht, was zur Folge hat, dass die Gegenfarbe des ursprünglichen Reizes erscheint.

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